« Designs et créations situés. Lorsque les projets de designs et de création entrent en résonance avec le lieu dans lequel ils s’inscrivent » est une exposition des Master 1 « Design ».

« La nature des matériaux influe puissamment sur l’appareil adopté ; ainsi dans les contrées où la pierre de taille est résistante, se débite en grands échantillons, comme en Bourgogne, dans le Lyonnais, l’appareil est grand ; les assises sont hautes, tandis que dans les provinces où les matériaux sont tendres, où le débitage de la pierre par conséquent facile, comme en Normandie, en Champagne, dans l’Ouest, l’appareil est petit, serré, les tailleurs de pierre, pour faciliter la pose, n’hésitent pas à multiplier les joints. »

Eugène Viollet-le-Duc, Dictionnaire raisonné de l’architecture française du XIe au XVIe siècle, définition du terme « Appareil », édition BANCE-MOREL, de 1854 à 1868, n.p.

L’exposition de ces posters scientifiques est le fruit d’un travail d’enquête, développé dans le cadre du cours de méthodologie « Documenter et référencer une question de design » (Master 1 « Design »), autour de propositions de design et de créations situées prenant en considération le contexte dans lequel elles se trouvent.
Chaque étudiant.e a choisi et étudié une démarche de création et une proposition de design. L’ensemble de ces études a donné lieu à un ensemble plus vaste qui montre une diversité d’approches questionnant la relation dialogique entre un contexte de création et une œuvre, une architecture, une installation, un aménagement, un objet.
Une analyse graphique à travers la création de schémas a été conduite permettant d’exposer visuellement les caractéristiques des situations créatives étudiées.

Exposants : étudiants du Master 1 « Design » (gr.2)
Kaan Baltaci, Danny Ben Ouazzou, Jade Cadoual, Justine Dreumont, Manon Dumestier, Laura Goin, Maria Del Mar Gomez Acuna, Danielle Itoua-Mbouale, Ahoube Blanche Kouassi, Victoria Le Stunf, Lilyrose Mauger, Bao Ngoc Nguyen, Gloriana Nzingoula, Audrey Pantanella, Nathalie Sangho, Emma Simons, Juliette Tanguy, Vishva Vinayagam, Jialin Zhuang.
Référente pédagogique : Sophie Fétro
Enseignement : « Documenter et référencer une question de design »

Quartier sur dalle Beaugrenelle
– En partenariat avec la Bibliothèque Andrée Chedid et PariSeine –

Encadrement et suivi pédagogique : Sophie Fétro, Camille Mançon.
Suivi Bibliothèque Andrée Chedid : Léo-Paul Charpentier, Antoine Jolly
Étudiants : Licence 3 « Design, Arts, Médias »
Année : 2026
École des Arts de la Sorbonne

Création de parcours de visites pour le quartier sur dalle Beaugrenelle.

À partir de l’étude du quartier sur dalle Beaugrenelle et d’une enquête de terrain, les étudiant.es de L3 « Design, Arts, Médias », développent un projet de cartes sensibles permettant d’effectuer un parcours de visite spécifique qui questionne les usages, les expériences sensibles, les centres d’intérêt des habitants pour le quartier.

Mardi 14 avril, 16h30 (départ bibliothèque Andrée Chedid): visites avec le public de la bibliothèque Andrée Chedid

Exposition à la bibliothèque Andrée Chedid (Paris 15ème).

Visite préparatoire à la Bibliothèque Andrée Chedid avec les étudiants de L3 « Design, Arts, Médias » de l’École des Arts de la Sorbonne.

Plan du quartier sur dalle :

Jeudi 26 mars 2026 _ 17h30-19h

Quatrième Séance : « Les influences et les problématiques inhérentes à la pratique, à l’enseignement et à la recherche en design au Brésil »

INVITÉ : Airton Cattani, Université fédérale du Rio Grande do Sul – Porto Alegre, Brésil.
AVEC : Sophie Fétro (Univ. Paris 1, MCF-HDR Design)
RÉPONDANTE : Léa Becquet (doctorante APESA, dir. S. Fétro)

Organisé par l’École doctorale APESA, en partenariat avec l’Institut ACTE (UR 7539), ce séminaire s’inscrit dans le programme des Professeur·es invité·es de l’université Paris 1.
Il interroge les dynamiques contemporaines de la création et de la pensée artistique à travers les interventions de professeur·es invité·es et invitant·es, dont les travaux témoignent de la vitalité des échanges scientifiques de la recherche en art et en esthétique.
Ancré dans la Bibliothèque de l’École des arts, le séminaire favorise le dialogue entre chercheur·ses, artistes et doctorant·es autour des enjeux actuels de la recherche artistique, dans une perspective ouverte et internationale.
Chaque séance associe un·e doctorant·e répondant·e, qui contribue à la discussion scientifique et à la mise en perspective des interventions.
La participation au séminaire peut être intégrée au parcours de formation doctorale des inscrit·es de l’École doctorale APESA, en reconnaissance de leur implication dans la vie scientifique.

Coordination : Barbara Formis

Éclosions sensibles. (Dis)parutions en Design, Arts, Médias est l’exposition des étudiants du Master 2 « Design Arts, Médias » de l’École des Arts de la Sorbonne. Cette exposition correspond à la présentation de leurs projets de fin d’étude associés à leurs mémoires de recherche menés durant l’année 2024-2025.

Éditorial :
Éclore : verbe trop peu usité, dont la rareté accentue la délicatesse. Provenant de excludere, il signifie « faire sortir », mais aussi « repousser ». Il désigne ce moment fragile où quelque chose s’ouvre, timidement mais irréversiblement. L’éclosion révèle le passage de l’ombre à la forme. Ce mot donne son rythme à l’exposition : celle d’idées, de gestes ou de récits en train d’apparaître.
Cette exposition est le fruit d’un rassemblement collectif, née de projets, de regards croisés, d’élans communs entre étudiant.e.s du Master 2 Design, Arts, Médias. Le but est de créer un espace d’expérimentation et de dialogue en convoquant le sensible, les récits et les formes. « Éclosions » désigne ainsi la matérialisation de ces idées, tandis que « sensibles » rappelle qu’elles ne s’expliquent pas toujours, mais qu’elles se ressentent, s’éprouvent, s’intègrent au vécu.
L’imaginaire tient une place centrale dans cette démarche. Il surgit d’un relevé, d’un geste familier qui devient matière à réinvention, réparation. Cette perception du réel, souvent subjective, se trouve déformée, déplacée par les pensées de chacun.e. Créer, ici, c’est faire dialoguer l’invisible et le tangible, c’est donner corps à des intuitions, des tensions, des absences. Chaque création devient une tentative de mise en relation : entre l’idée et la matière, entre l’auteur et le spectateur. Car peut-être, au contact de ces formes, quelque chose pourra aussi éclore chez celui qui regarde.
En tant que designers, artistes et médiateurs, notre rôle est d’interroger le quotidien, d’interroger la norme, d’inventer des usages, de renouveler des imaginaires narratifs. Cette exposition est une invitation à ressentir, à s’ouvrir à l’inattendu. Elle cherche à créer des interstices, à faire naître des possibles. Éclosions sensibles n’est pas une conclusion : c’est une étape, un espace d’apparition et de parution.

Etudiants-exposants : Léa Béquet, Célestine Bel, Camille Blouin, Marie Desthomas, Adis Karac, Klara Kuchcakova, Tristan Le Dem, Alice L’hotte, Malena Martinez, Rym Meliha, Sophie Montet, Oula Al Chayb, Brice Barthez.

Sous la direction de : Catherine Chomarat-Ruiz, Sophie Fétro, Judith Michalet et Antonella Tufano.

Lieu : Galerie Michel Journiac 47 Rue des Bergers 75015 Paris
Date de l’exposition : du 24 juin au 27 juin
Vernissage : le jeudi 26 juin à 17h00

Oula ALCHAYB _ « Le design intérieur peut-il améliorer la santé mentale des réfugiés. Etude de cas du camp de Zaatari en Jordanie »
« CampCraft »
CampCraft est un projet innovant qui transforme les déchets plastiques, notamment les boîtes alimentaires distribuées dans les camps de réfugiés, en mobilier, objets utiles et œuvres d’art. Grâce à des outils simples et accessibles (hachoirs, fours domestiques), et dans une démarche open source, ce projet offre une solution écologique et sociale face à l’accumulation des déchets. Au-delà du recyclage, CampCraft crée un espace d’apprentissage, de créativité et d’émancipation pour les habitants des camps, leur donnant les moyens d’agir sur leur environnement.

Brice BARTHEZ _ « Design Bizarre. Un moyen de réenchanter le quotidien urbain »
« Le mobile enchanteur, une traduction sensible du design bizarre »
Ce mobile explore le pouvoir du bizarre comme vecteur d’enchantement diffus. En suspension, il déploie une présence poétique et ludique qui ouvre une brèche dans notre rapport à l’espace. Assemblé à partir de matériaux détournés, il célèbre le réemploi, le kitsch et l’imaginaire. Il prolonge une réflexion sur un design non utilitaire, mais sensoriel et critique, qui réveille notre capacité à nous émerveiller.

Léa BECQUET _ « D’un geste à l’autre : du trouble de la rotoscopie »
« Perceptions fluctuantes »
Ce projet de recherche-création explore la manière dont la rotoscopie peut traduire graphiquement des altérations de la perception visuelle, qu’elles soient pathologiques ou contextuelles. Chaque séquence, activée par un mutoscope, entre en dialogue avec une définition scientifique et un témoignage, proposant une lecture sensible et incarnée du trouble. Il ne s’agit pas de reconnaître un symptôme, mais d’éprouver les instabilités du regard.

Célestine BEL _ « Situer la scénographie, entre matérialité et spatialité. La scénographie d’exposition située : Le devenir écologique d’une pratique ? »
« Situer l’éphémère »
Comment créer une scénographie située dans le cas d’expositions éphémères ? Comme une sorte de mise en résonance face à ce que le mémoire veut argumenter, ce projet tente de partir de caractéristiques précises présentes dans divers lieux, afin de créer des dispositifs adaptables à ces différents espaces. L’idée n’est alors pas de prendre le contre-pied de ce qui a été dit mais bien de tester mes recherches au sein de ce projet-expérimentation. En effet, en partant d’une exposition photographique précise, qui serait alors itinérante, l’analyse de trois lieux aux caractéristiques différentes et aux contraintes variées permettrait de déterminer des structures simples et minimales pour scénographier l’exposition. Une triple scénographie avec la volonté de faire moins et surtout, avec le lieu.

Camille BLOUIN _ « Vers une conciliation. Le biodesign, au centre du conflit entre l’humain et la nature »
« Montre-moi que tu grandis / Territoire partagé »
Ces projets explorent comment le Zoedesign redéfinit les méthodes de conception tout en éveillant une curiosité pour l’environnement. Concevoir pour le vivant, c’est une méthode qui invite à ralentir, à apprendre à observer pour pouvoir mieux comprendre notre environnement, les êtres vivants qui composent chaque écosystèmes et leurs cycles. Ces projets invitent à porter un regard différent sur le vivant avec l’ambition de pouvoir améliorer les relations entre l’humain et les autres êtres vivants non-humains.

Marie DESTHOMAS _ « Scénographier la nature ; Éprouver le sublime »
« Un songe pour la forêt »
Mon projet initial de mémoire porte sur la création d’une scénographie pour le spectacle Le songe d’une nuit d’été de William Shakespeare. Dans le cadre du Master 2, nous avons l’opportunité d’exposer à la galerie Michel Journiac. Cette exposition m’amène à repenser ma démarche : en effet, les codes de la muséographie et de l’installation plastique diffèrent fortement de ceux de la scénographie théâtrale. Il m’est donc impossible de retranscrire une scénographie de scène dans son intégralité. Je choisis donc d’aborder cette exposition comme un prolongement sensible de mon projet scénographique. Mon objectif est de créer une sorte de mood board grandeur nature, en utilisant une portion du mur de la galerie. À travers cette installation, je souhaite transmettre les intentions plastiques et émotionnelles de ma scénographie à venir, en explorant la représentation du sublime et de la nature dans un langage visuel texturé et immersif.

Adis KARAC _ « Glissement. Vers un imaginaire distribué »
« dark nights & days bright »
Ce livre d’artiste, conçu comme un carnet de voyage poétique et réflexif, explore ce que devient l’imaginaire à l’ère de l’IA générative d’image. Là où la production visuelle tend à précéder ou court-circuiter l’imagination, ce projet opère un retournement : partir du souvenir, écrire pour en activer les résonances, puis générer par IA. Mais l’image produite ne coïncide jamais tout à fait avec l’image intérieure : elle déçoit, elle dérive, elle s’échappe. C’est dans ce décalage que surgit une puissance nouvelle — ni purement humaine, ni strictement machinique — une force d’imaginer distribuée. Par le dialogue entre texte et image, l’œuvre saisit ce moment instable où l’imaginaire se déplace : non plus centralisé, mais partagé dans un écosystème où les agents eux-mêmes se confondent.

Klára KUCHCAKOVA _ « + Béton mort – Ville vivante + »
« Matières endotopiques »
Quelle est la différence entre un espace occupé et un espace habité ? Comment habiter une architecture dépourvue d’identité ? Ces questions deviennent urgentes lorsque l’on étudie les quartiers d’immeubles standardisés en Europe de l’est, menacés par leur manque d’enracinement local. Le projet Pri Prameni démontre à travers une étude de cas concrète comment les matières endotopiques peuvent faire renaître une architecture dévitalisée telle que l’architecture standardisée soviétique. Ce quartier, d’apparence identique aux milliers d’autres dans cette région, nous fait découvrir sa richesse et sa singularité à travers l’étude de trois aspects de son identité : le site, les habitants et l’inattendu. C’est par ces prismes là que nous proposons trois possibles expressions de ces matières endoto- piques, subtilement cachées dans le quartier et dans les récits de ses habitants.

Tristan LE DEM _ « Identité et performance sociale : Un oxymore de soi mis en lumière par l’image !? »
« Le jeu de l’identité »
Dans un monde où chacun joue des rôles dictés par les normes, cette exposition explore les multiples visages de la
performance sociale à travers des médiums variés, photographie, édition, installation, en mêlant intimement l’intime et le politique. Certains projets expriment la confusion et la multiplicité de nos postures sociales. Un autre aborde le mal-être lié aux injonctions sociales : fatigue d’être constamment “performant”. Et d’autres montrent les stéréotypes imposés par la société, en
les tournant en dérision.Ces multiples projets sont chacun une porte d’entrée pour s’approprier le concept de performance sociale. Ils permettent d’apercevoir le jeu des identités. Ensemble, ils forment un écosystème visuel et narratif autour de la question d’être l’auteur de son identité. L’exposition invite à ralentir, à regarder, à se reconnaître ou à se questionner et peut-être (je l’espère) à commencer à jouer ses propres rôles autrement.

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Alice L’HOTTE _ « Marcher, créer, relier. Carnets au féminin, éclats d’ancrage, regards et révoltes au coeur du vivant »
« Marcher en dedans »
Marcher en dedans est une installation immersive et sensorielle, conçue comme une invitation à ralentir, à éprouver autrement le monde et à se relier à son mouvement intérieur. Par les matières glanées, les textures à parcourir, les mots suspendus et les silences habités, le visiteur est convié à une expérience intime, douce et poétique. Ici, il n’y a rien à comprendre, seulement à traverser. Marcher devient un geste intérieur, une écriture du corps, une manière de résister doucement à la vitesse du monde.

Malena MARTINEZ _ « Design Industriel : Revendication et Authenticité »
« Liberté et Authenticité »
L’authenticité est fondamentale dans le design, tant celle du designer comme celle de l’individu. Le design ouvre ainsi l’opportunité d’une affirmation de soi. Les objets deviennent iconiques : des accessoires qui font exister l’individu, ils deviennent un reflet de la personne qui les porte, comme de la personne qui les a conçus. L’objet banal peut être porteur d’un message lorsqu’il est créé en tant que constat créatif. Ce projet est une ode aux designers visionnaires qui réfléchissent à l’importance authentique de l’objet, aux utilisateurs qui ont voulu rechercher une place authentique dans le monde en customisant des objets banals et à l’authenticité qui fait exister l’individu, lui donnant une signature personnelle dans un monde encombré par des créations.

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Rym MELIHA _ « Imaginaires urbains et design social. Résistances et récits d’avenir »
« Onirapolis »
Ce projet explore les tensions, les désirs et les rêves qui traversent les territoires urbains. Elle s’articule en trois volets complémentaires. Une vidéo immersive qui donne à voir le ressenti de celles et ceux qui vivent en banlieue et s’y sentent enfermés. À travers un montage sensible, elle traduit une expérience intime et collective, le second volet Onirapolis est une plateforme numérique dédiée aux imaginaires urbains. Elle est créée afin de rassembler des imaginaires collectifs issus des acteurs de la ville. Organisée en rubriques, elle propose des ressources pour nourrir une réflexion collective et rendre le design social plus accessible. Enfin, une
rubrique du site est mise en avant à travers des traductions sensibles, des créations issues d’entretiens autour des villes rêvées,
qui donnent corps aux récits et aux désirs exprimés.

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Sophie MONTET _ « L’écran comme miroir : imaginaire, réel et réflexion de soi chez Tim Burton »
« Reflets d’un monde sensible : forêt, miroir, son »
Forêt intérieure et Miroir intérieur prolongent une réflexion personnelle autour de trois motifs : la forêt, le miroir et le son. Portés par l’imaginaire, ces éléments, issus du cinéma des années 2000 et du monde contemporain, sont ici réinterprétés dans une écriture plastique singulière. Forêt intérieure est un diorama circulaire suspendu, activé par la lumière d’un smartphone. À travers quatre fenêtres, une forêt glisse du réalisme à l’abstraction, comme un paysage mental en mouvement. Miroir intérieur, œuvre sonore, met en scène un dialogue intime avec soi-même, où la voix devient résonance d’une conscience en construction. Ces deux pièces esquissent un monde intérieur, entre projection et perception de soi.

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Livret et plan de salle

Communication produite par Cassandre DUFOUR et Audrey PANTANELLA.

Introduction à la collaboration St Charles-Tanneries

Les étudiants de Licence 3 Design, Arts et Médias ont eu l’occasion de collaborer tout au long de l’année universitaire avec le Centre d’Art Contemporain des Tanneries d’Amilly en se rendant notamment sur place à trois reprises. De vocation différentes, ces venues sur site leur ont permis dans un premier temps de découvrir les Tanneries et leur environnement, avant d’analyser les locaux et leurs expositions d’un point de vue technique, et enfin de les investir en installant leur exposition Co-Mémoration, Liaisons humaines et territoriales.

21-22.10
L’introduction des étudiants aux Tanneries s’organise sur deux journées consécutives durant lesquelles l’artiste plasticien-graphique Alex Balgiu les accompagne dans la découverte de sa pratique personnelle, du site et de ses alentours. Une partie de la classe se rend également dans une ferme maraîchère urbaine à pied avec l’artiste afin de cueillir les fruits et légumes nécessaires au repas performatif du lendemain midi. L’autre partie imagine le concept de ce projet de design global mêlant conception du repas, appropriation du lieu, et expérience ludique et sociale. L’objectif est de faire de ce repas une performance gustative, humaine et territoriale en trois étapes. Trois formats de restauration avec trois typologies de plats différents sont donc répartis dans trois endroits caractéristiques des Tanneries : un buffet debout entre les arbres et la friche au bord de la rivière du Loing, un piquenique assis au sol sur la pelouse, et une installation à table en terrasse sur l’esplanade. Chaque participant suit son propre itinéraire de manière à ce que tous se rencontrent au fil du repas lors des changements d’espace ; un plan est confectionné afin que chacun puisse visualiser son parcours en amont. Afin de dynamiser les interactions, deux jeux de cartes sont préparés à l’aide d’une machine à écrire et de linogravure. Chaque participant pioche une carte du premier jeu, leur conférant un « personnage », une caractéristique, soit un gage à tenir tout au long du repas. Le second jeu est réparti sur les trois espaces de restauration et comporte des cartes « actions » que chacun peut piocher à sa guise au long du repas afin de diversifier les échanges. Plus qu’une introduction au site de projet, ces deux journées permettent à l’ensemble de la promotion de monter un projet de design global à 37 sur un temps court et de se connaître différemment en ce début d’année.

04.02
La seconde visite aux Tanneries d’Amilly marque le début du projet d’exposition. L’objectif de cette venue est de visiter et d’analyser les expositions sur lesquelles les étudiants s’appuieront pour concevoir des dispositifs de médiation sensoriels et interactifs. Ils découvrent ainsi The Unmanned de Fabien Giraud et Raphaël Siboni, et Voyages en Kaléidoscope de Erik Bullot. Ils investissent également l’espace d’exposition mis à leur disposition, décrypté par le relevé technique. La classe s’est répartie en plusieurs groupes couvrant tous les aspects de la conception de l’exposition : muséographie, communication, restitution volumique/graphique/plastique du premier workshop et conception de dispositifs de médiation à exposer.

22.04
La dernière visite des étudiants sur site clôture le projet par le montage de leur exposition Co-Mémoration, Liaisons humaines et territoriales, ouverte au public durant une semaine. Après avoir exposé leurs propositions, recoupé leurs avis et remarques et mis en commun leurs idées, l’exposition met en lumière plusieurs mois de travail collaboratif et invite les visiteurs à partager l’expérience vécue par les étudiants.

Une expérience muséographique collaborative

Co-Mémoration, Liaisons humaines et territoriales
Texte d’introduction de l’exposition produit par Assia AHMED, Emmeline CROOKS, Iban DARD–MERLE, Mame DIARRA, Colomba GILLES, Killian GRALL, Louise LANDAIS, Eliot LEFRANC, Allia NYANG et Louève TURPIN.

Liaisons chromatiques éphémères
Texte de présentation du dispositif de médiation produit par Salma BILAL, Eva GOSMANT, Ramatoullaye DIALLO et Ahoube Blanche KOUASSI.

Inspirée de l’exposition Voyages en Kaléidoscope de Erik Bullot, cette installation invite le spectateur à une immersion sensorielle où la vue est subtilement sollicitée. Ce dispositif aérien est composé de prismes de différentes formes, tailles et teintes flottant dans l’espace, invitant le visiteur à explorer les variations de sa perception de l’espace. Suspendues, ces structures légères évoquent un monde onirique, reflets de l’exposition originale. Les miroirs intégrés et les surfaces colorées interagissent avec la lumière pour créer un jeu perpétuel de reflets et de transparences, modifiant l’environnement visuel du spectateur.

Les restes du chemin
Texte de présentation du workshop introductif avec Alex Balgiu produit par Merveille BAZOLO-ANDZILANDO, Manon DUMESTIER, Min GAO, Gloriana NZINGOULA, Adou Henryesther OURIZALE, Mendrika RAKOTOHARIMANITRA, Juliette TANGUY, Valentin WLACHE et Jialin ZHUANG.